Siamo presenti con uno slideshow del gruppo “Bianco e Nero” di Flickr al primo Festival Indipendente della Fotografia “OcchiRossiFestival.org”,  dal 3 al 5 luglio 2009 al C.S.O.A. Forte Prenestino, Via Federico Delpino, Roma.

Lo slideshow verrà proiettato il giorno venerdì 3 luglio alle 17:00, e  verrà mandato in loop per i tre giorni successivi.

Di seguito un clip di anteprima:

Per ulteriori informazioni e aggiornamenti:

www.flickr.com/groups/biancoeneroocchirossi

Foto di Christian Fossati

L’Aquila, Abruzzo, Italia

293 morti

1500 feriti

28ooo senzatetto

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Photos by Christian Fossati

L’Aquila, Abruzzo, Italy

293 dead

1500 injured

28ooo displaced

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Pubblichiamo una intervista a Tano D’Amico realizzata per noi da Alessandra Pirera, che ringraziamo per il prezioso contributo, invitandovi ad ammirare le sue immagini della Bolivia.

Mi è sempre piaciuto incontrare Tano D’Amico, alle manifestazioni, nelle assemblee, tra la gente. Poi un giorno io e Chiara (amica e aiuto prezioso, come sempre) abbiamo preso appuntamento per parlare di fotografia ed è stato come incontrarlo tra quella stessa gente, come se una Mary Poppins immaginaria ci prendesse per mano e ci facesse entrare nelle sue fotografie. Quelle di ieri e quelle di oggi. Tutte le immagini delle storie che ha raccontato, e che in comune hanno tanti punti di cui uno è il suo. Il suo punto di vista: «quando facevamo manifestazioni di 150 mila persone tutti pensavano che sarei arrivato il giorno dopo con una foto con 150 mila puntini» ci ha raccontato dopo l’intervista «e io arrivavo con quattro occhi, cinque mani o due innamorati. Le pubblicavamo e piacevano. Perché, mi hanno poi detto, davano speranza».
A Tano un grande ringraziamento, per la speranza, la disponibilità e per tutto, tutto il resto.

© Enrico Pescosolido

IiBN: «Vorremmo iniziare parlando della contaminazione della fotografia con altre arti visive. C’è questa tendenza oggi. Tu lo ritieni un aspetto positivo o no? Alcuni la rivendicano come simbolo di innovazione, e sembra quasi che una delle aspirazioni massime di alcuni fotografi sia quella di potersi chiamare “artista”. Ma la fotografia non ha una sua dignità autonoma e indipendente?»

TDA: «È vero che la fotografia si contamina e contamina altre forme espressive. Esistono fotografie che hanno una visione strumentale, altre che ci richiamano al nostro ruolo di essere umano.»

«Anche il cinema, il teatro, la letteratura hanno raccontato molto. Rossellini, con la scena della Magnani in Roma città aperta, ha fatto una delle più belle immagini della seconda guerra mondiale. Perché la verità è una creazione dell’uomo, la più bella creazione dell’uomo. Io, nel mio piccolissimo, ho scelto il reportage perché i suggerimenti sconvolgenti della realtà e delle persone reali sono molto più ricchi di quello che posso pensare io. Il reportage ti permette di cercare elementi specifici, situazioni persone perché vuoi raccontare quelli ma poi l’immagine parte da lì per andare oltre. Inoltre amando le persone, la fotografia era un modo per poterle osservare da vicino, e per farlo da solo.»

IiBN: «Cosa ne pensi di un altra tendenza attuale, quella di limitarsi, o almeno di concentrarsi eccessivamente, sugli aspetti tecnici e tecnologici della fotografia?»

TDA: «Non la capisco. Se uno si legge le istruzioni della macchina fotografica sa più di quello che gli serve. Ma chi conosce il linguaggio fotografico? Certe cose non si possono ricevere in insegnamento. A scuola insegnano a scrivere, non a comporre bei romanzi. Lo stesso vale per le belle immagini. Altrimenti saremmo tutti migliori e più ricchi come esseri umani. Oltretutto non credo nella virtù taumaturgica o miracolosa delle macchine. Non penso che le telecamere delle banche siano fabbriche di verità.»

«Leonardo da Vinci aveva inventato tutto, e, da pittore, ha pensato di inventare anche la macchina fotografica. Non ha pensato alla camera oscura – perché è una cosa che conoscevano già tutti, un principio antichissimo – ma ha pensato alla macchina fotografica in grado di scomporre la realtà in punti – secondo il principio dello scanner – e poi si è chiesto che senso avesse: “bene che vada avrò inventato uno specchio” ma uno specchio non ha mai inventato niente, perché l’immagine non è figlia della realtà, così come appare. È nipote della realtà, perché la realtà produce l’uomo e l’uomo produce l’immagine.
Quindi l’immagine non è figlia, ma nipote della realtà. È parente di Dio. L’immagine richiama l’uomo ad un ruolo attivo.»

IiBN: «Ci piacerebbe conoscere il parere di Tano D’Amico sulla evoluzione del linguaggio fotografico negli ultimi decenni. E’ cambiato o no? E Tano D’Amico ha mutato il suo modo di porsi davanti ai soggetti, il suo linguaggio?»

TDA: «Posso parlare di me. Qualcuno dice che sono rimasto sempre uguale a me stesso. Ma io so che mi occuperò sempre delle stesse cose, quelle che mi stanno a cuore, uomini e donne che si rendono conto che il mondo non è fatto per loro e tentano di cambiarlo. Ora ho 66 anni, ma ricordo che, quando ne avevo 20, quello che mi appassionava era uguale.»

IiBN: «Si discute molto dell’etica del fotogiornalismo. Il fotogiornalismo italiano è davvero affetto da una mancanza di etica fotografica? Si fotografano il dolore e la fame quasi per allontanarle da noi, o no?»

TDA: «È un dibattito vecchio. Esistono elementi validi per dire che la fotografia può abbrutire gli uomini. Altri elementi dicono che con le immagini si può elevare la consapevolezza del genere umano. Baudelaire criticò duramente l’avvento della fotografia e i suoi argomenti erano anche validi. La fotografia è servita anche ad ottundere la consapevolezza del genere umano. Molte persone interpretano come un offesa il tentativo di riprenderle, e questo comportamento ha un fondo di giustificazione, perché le persone si aspettano che quelle immagini, in qualche modo, restituiranno di loro un immagine deformata.»

«Tante immagini di brutture ed orrori del mondo vengono fatte per mangiare meglio, per indurre a maggiori consumi. L’immagine di un dramma non serve ad esorcizzare quel dramma. Le immagini degli stupri in tempo di pace, o di guerra, non devono stridere con le immagini delle pubblicità che vengono pubblicate sugli stessi giornali. Su alcuni giornali le immagini sembrano dire: “se esci dai modelli della pubblicità, finisci in un mondo di merda”. Hai due possibilità quindi, o usi quei tacchi a spillo o finisci nelle immagini di guerra. Questo modo di concepire i giornali, i settimanali, ha finito per svilire sempre di più la fotografia, ne ha abbassato il livello, in modo da far risplendere sempre più le immagini che sono più funzionali e redditizie per il giornale, e cioè le immagini pubblicitarie.»

«All’inaugurazione di una mia mostra partecipò anche un grande editore. Venne a complimentarsi, e io mi sentii autorizzato a porgli una domanda su un tema che mi stava molto a cuore: perché, sul giornale che aveva fondato e che gli apparteneva, pubblicasse sempre delle cattive immagini. L’editore non si offese, ma cercò le parole per spiegarmi come funziona il mondo. Mi chiese quindi se avessi sfogliato l’ultimo numero del magazine. Alla mia risposta affermativa, chiese: “quale immagine le è rimasta in mente?”. Io risposi: “il pieghevole in cartoncino che mostra il catalogo di un grande stilista”. E lui, sorridendo: “ecco, se le fosse rimasta in mente un’altra immagine, lo stilista avrebbe buttato via 4 miliardi”».

IiBN: «Il mondo della fotografia in italia è davvero, come alcuni addetti ai lavori, in un dialogo pubblico di recente sviluppo, lo definiscono:  particolarmente chiuso e conservatore?  E’ un mondo che si nutre di luoghi comuni?»

TDA: «Non c’è congiura. Certe cose sono evidenti e vengono dette. Oltretutto io non parlerei del panorama italiano, ma più in generale di quello internazionale. Una volta c’era da organizzare una mostra di 4 fotografi israeliani e 4 palestinesi (c’era una donna in ognuno dei due gruppi), era il 2003, e mi avevano dato circa 1.500 euro per le spese, che mi finirono subito, tra telefonate e viaggi. Andai allora a proporre il progetto ad una grossa agenzia fotografica e loro si misero subito a disposizione. Mentre lavoravo all’organizzazione, nei loro uffici, dissi che era un progetto importante per la promozione della pace. Ci fù il gelo, tutti si turbarono in modo evidente, e la capa disse “pensavo fosse un lavoro per far fare bella figura ai fotografi. Per noi la pace è di parte”. Ma come? C’è la parte della pace, la parte della guerra e quella di stare in mezzo? E quando stai in mezzo, stai con la guerra. Quello che mi sconvolge non è il comportamento di una grande agenzia come quella – mi fecero poi leggere un comunicato in cui dichiaravano che quando il loro governo era in guerra, si sentivano in guerra anche loro – quello che è vergognoso è che i giornali che affermano di battersi per la pace usino immagini prodotte da queste agenzie, per cui la pace è di parte, non è la loro.»

IiBN: «Esiste la possibilità di restituire dignità alle persone fotografate con un’immagine?»

TDA: «Qualche  volta ci si riesce. Occorre un grande amore e la tensione di tutta la vita. Ingredienti che non si comprano, che nessuno ti può dare. Bisogna farseli da sé.»

IiBN: «Quali sono le possibilita’ che ha oggi un giovane che vuole andare avanti in un percorso fotografico professionale nel campo del reportage?»

TDA:« Se lo deve inventare. Quando ero giovane se non c’erano giornali, gli sbocchi si creavano, il mio timore che ci avviamo verso un periodo in cui la bella immagine non trova piu’ spazio per la pubblicazione. Però ho fede nelle belle immagini. Una bella immagine sconvolge qualsiasi gioco.»

IiBN: «Cosa significa per te “bella immagine”?»

TDA:«Io divido le immagini non in still life-paesaggi-reportage-moda, ma in due grandi categorie fondamentali: le belle immagini e le brutte immagini. Un’immagine è bella quando mi fa l’effetto come se mi aprisse una finestra che non mi si sarebbe mai aperta e mi fa fare pensieri, tira fuori ricordi e mi fa dare giudizi che altrimenti non avrei fatto. Per questo è difficile che trovi bella una mia immagine, perché so quello che penso. Oggi nascono fiumi di immagini, qualcuna urla. Alcune stigmatizzano, condannano. Nessuna si fa amare e ricordare. La funzione delle immagini, se mai ne hanno una, è quella di farsi amare e ricordare. A me servono a tenermi compagnia. Ma quante immagini sono pornografia. Quanta pornografia è stata fatta con i corpi degli operai e con i volti delle donne in lotta.»

IiBN: «Cosa intendi per “pornografia” in questo caso?»

TDA: «Riprendendo la riflessione di Barthes, la pornografia è un’immagine incapace di andare al di là del suo senso letterale. Quasi tutte le immagini sono pornografia. Durante il nazismo Goebbels ha ridotto l’immagine ad un ruolo di illustrazione, al ruolo delle parole scritte, come figurine della parola scritta sui sussidiari. Il potere ha paura di tutte quelle immagini che vanno oltre il senso letterale del segno perché l’immagine non è mai del tutto controllabile.»

IiBN: «Dietro una bella immagine c’è l’incontro con quello che si sta raccontando?»

TDA:«Io mi sono fatto delle regole da giovane per fare una bella immagine. E puntualmente il giorno dopo vedevo un altra  bella immagine che sovvertiva quelle regole. Ma in partenza c’era la partecipazione. Quando io iniziai, questo lavoro era così avvincente che rivolgermi al passato, all’opera dei grandi maestri, era togliere tempo alla vita e ai vivi, le cui istanze erano pressanti. La vita, le vicende di quegli anni, mi portarono a passare lunghi periodi in paesi oppressi da dittature che producevano immenso dolore. Era per me una paura incontrollabile. Per darmi un contegno passavo lunghissime ore in quei musei bellissimi, e scattò un qualcosa. I grandi maestri avevano partecipato ai dolori e alle paure del loro tempo, e per mostrare in un modo così coinvolgente il dolore delle madri per i loro figli uccisi dai poteri ingiusti dovevano aver partecipato moltissimo a quel dolore, e quei giovani uccisi dovevano essere stati i loro amici di giovinezza.«
«Personalmente non ho mai “rubato” una foto, se qualcuno mi dice che non vuole essere fotografato, io non lo faccio. Anche perché poi, le immagini più belle mi sono state sempre regalate dalle persone.»

Sanders McNew è un ritrattista statunitense. I suoi lavori, realizzati su pellicola in bianco e nero, sono incentrati principalmente su soggetti femminili. di cui spesso vengono citati professione e città d’origine. Abbiamo avuto occasione di discutere con l’autore le motivazioni alla base di questo suo progetto e di conoscere meglio il suo approccio alla fotografia, nell’intervista che riportiamo qui sotto.

Seamstress, Milwaukee.

IiBN: «Abbiamo molto apprezzato la sua serie di nudi femminili in cui ogni modella è presentata citando la sua professione. Come è nata questa idea e come si è sviluppata?»

SMN: «Mi considero un ritrattista. Parte della motivazione nello scattare questa serie di ritratti di donne nude era esplorare la natura del ritratto, scavare più profondamente in concetti quali il sé, l’identità e la definizione di se stessi. Ho iniziato togliendo tutte le cose che in genere danno a chi guarda degli indizi sulla natura della persona fotografata: nessuno sfondo, nessun abito, niente che non fosse l’individuo stesso. Tutti noi interpretiamo diversi ruoli nelle nostre vite. Io sono un figlio per mia madre, un marito per mia moglie, un padre per la mia bambina, un avvocato di giorno, un fotografo di sera. Quale di questi ruoli mi rappresenterebbe in una fotografia? Ho intitolato uno dei miei ritratti “Biologa, Ohio”. Ma avrei potuto scrivere “Modella su Internet, Ohio” o “Moglie, Ohio”. Ognuna di queste definizioni sarebbe stata accurata.»

IiBN: «Seleziona le sue modelle in base ad un criterio specifico?»

SMN: «Trovo che tutte le persone siano fotogeniche. Di solito sono attratto maggiormente da qualcosa nel carattere della persona che sto prendendo in considerazione per la serie. La personalità influenza fortemente la mia scelta. Un ritratto è il frutto della collaborazione fra soggetto e fotografo. Non sono particolarmente interessato a collaborare con qualcuno che non mi coinvolge in qualche modo. Nella misura in cui l’aspetto fisico ha un ruolo, mi sforzo di lavorare specialmente con persone più anziane, scure o pesanti della norma. Ma è molto difficile convincere persone il cui aspetto non corrisponde all’idea “commerciale” di bellezza ad esporsi davanti ad una macchina fotografica, per quanto essi possano percepire in modo simpatetico il lavoro del fotografo.»

IiBN: «Qual’è il suo obiettivo nel realizzare ritratti di nudo? Intende spersonalizzare le modelle rimuovendo gli abiti, in modo che sembrino tutte uguali, o vuole far emergere dal ritratto la personalità ed individualità di ogni soggetto in un modo specifico?»

SMN: «Sicuramente il secondo. Non mi interessa una fotografia che riduce le persone a oggetti. La gente si nasconde dietro gli abiti, emozionalmente parlando. Succede qualcosa quando una persona è lasciata sola con la propria mente di fronte ad una macchina fotografica, qualcosa di idiosincratico, di specifico per quella persona. Se, alla fine della sessione, non ho trovato qualcosa che in qualche modo riflette la persona che ho fotografato, sento di aver fallito nei confronti suoi, e anche con me stesso.»

Photographer, Los Angeles.

IiBN: «Come raggiunge questo obiettivo durante le sessioni?»

SMN: «La maggior parte del tempo durante la sessione di scatti lo trascorro lontano dalla macchina fotografica, facendo la conoscenza con il soggetto. Il contenuto della conversazione non è importante. La parte critica è sottesa al linguaggio: mettere il soggetto a suo agio, sviluppare un rapporto, costruire la fiducia. Senza fiducia, senza un terreno comune, la collaborazione su cui si basa il ritratto non può esistere.»

«La sessione di scatti studio è veloce. In genere faccio sei rulli con la mia Rolleiflex in circa venti minuti. Se decido di usare anche il grande formato, faccio dai 6 ai 12 fogli 5×7 in altri dieci minuti. Se sono riuscito a stabilire una connessione col soggetto lontano dalla macchina fotografica, il lavoro è veloce e agevole.»

IiBN: «Molti suoi scatti sono realizzati con macchine fotografiche a pellicola in medio o grande formato. Inoltre, essi sono tutti in bianco e nero. In che modo queste scelte influenzano il suo modo di lavorare ed i risultati ottenuti?»

SMN: «Per lungo tempo ho lavorato esclusivamente col grande formato. Mi trovo a mio agio con un banco ottico e lavoro velocemente col mio. Ma il banco ottico ritualizza il lavoro e gli impartisce un senso più statico. Sono tornato alla mia Rolleiflex perché permette più spontaneità, e penso che ciò si rifletta nei risultati. Uso entrambi gli strumenti perché mi piacciono entrambi ed apprezzo ciò che ognuno di essi aggiunge al processo. Perché il bianco e nero? A parte la preferenza estetica, sono daltonico.»

Kaitlin

IiBN: «Pensa che ritratti di tale qualità si possano ottenere oggi anche con una delle più recenti macchine digitali?»

SMN: «Sì. Ho visto foto incredibili prodotte da fotografi che lavorano con mezzi digitali. Non comprendo le dispute sui pregi rispettivi della pellicola e del digitale. Io conosco la pellicola. Adoro le mie Rolleiflex. Ai miei occhi, esse posseggono una sofisticatezza nel design che nessuna macchina digitale possiede. Ma sono strumenti. Conosco i miei strumenti e non vedo alcun motivo per passare al digitale. Questo è quanto mi riguarda. Alla fine, ciò che conta è l’immagine.»

IiBN: «Quando non fa dei ritratti, quali sono gli altri soggetti che le interessano e che non possiamo vedere sul suo sito?»

SMN: «Fotografo persone. Ho scarso interesse nel fotografare nature morte, paesaggi o altre cose. Per me, una fotocamera è uno strumento per creare e registrare relazioni fra persone.»

Illustrator, Brooklyn.

IiBN: «Cosa cerca quando è a corto di ispirazione?»

SMN: «Altri individui. Vivo nella città di New York. L’ispirazione non è mai troppo lontana.»

IiBN: «Noi pensiamo che un fotografo si esprima attraverso le proprie immagini ma, data la possibilità di usare anche le parole, cos’è la fotografia per lei?»

SMN: «Uno sfogo creativo. Un mezzo di espressione. Un mezzo per relazionarsi con gli altri. Un senso di appartenenza ad una fratellanza di fotografi che va indietro nel tempo di cento anni. E l’appartenere a generazioni di ritrattisti che attraversano un millennio: dalle Fiandre a Parigi, da Firenze a Roma. Il ritratto è un’arte antica. La fotografia è un nuovo ramo di questa antica tradizione. Sono sempre cosciente che ho un ruolo insignificante in essa, ma mi dà gioia sapere di averlo, un ruolo.»

Harlequin, Long Island.

Per vedere altre immagini di Sanders McNew visitate il suo spazio su Flickr.

Segue la versione originale dell’intervista, in lingua inglese.

IiBN: «We’ve much appreciated your series of female nude portraits where each model is introduced by mentioning her job. How did this idea come about and how has it developed?»

SMN: «I consider myself a portraitist. Part of my motivation in photographing this portrait series of naked women was to explore the nature of portraiture, to dig more deeply into notions of self and identity and self-definition. I started out by stripping away all of the things that ordinarily give a viewer cues as to the nature of the person in the photograph: No surroundings, no clothes, nothing but the individual. We all play many roles in our lives. I am a son to my mother; a husband to my wife; a father to my daughter; an attorney at law by day; a photographer by night. Which is the me in a photograph? I have labeled one of my portraits as “Biologist, Ohio.” But I could have written, “Internet Model, Ohio.” Or “Wife, Ohio.” Each would have been accurate.»

IiBN: «Do you select your models according to specific criteria?»

SMN: «I find all people photogenic. Usually, I am most attracted by something in the character of a person I am considering for the series. Personality strongly affects my selection. A portrait is a collaboration between the subject and the photographer. I’m not much interested in collaborating with someone who doesn’t engage me somehow.»

«To the extent appearance plays a role, I make a special effort to work with people who are older, or darker, or heavier than the norm. But it is very hard to persuade people who do not conform to commercial notions of beauty to expose themselves to a camera, however sympathetically they perceive the photographer’s work.»

IiBN: «What is your purpose in shooting nude portraits? Do you intend to depersonalise your models by removing their clothes, so that they all might look more alike, or do you want to have the personality and individuality of each model emerge from the portrait in specific ways?»

SMN: «Certainly, the latter. I have no interest in a photography that reduces people to objects. People hide behind their clothes, emotionally. Something happens when a person is left with nothing but her wits in front of the camera, something idiosyncratic, individual to her. If, at the end of the shoot, I have not somehow found something that reflects the individual I photographed, then I feel as if I failed her, and myself.»

IiBN: «How do you achieve this during your shooting sessions?»

SMN: «Most of my time in a shoot is spent away from the camera, visiting with the subject. The content of the conversation is unimportant. The critical part is sublingual — putting the subject at ease, developing rapport, building trust. Without trust, without common ground, the collaboration on which the portrait relies cannot happen.»

SMN: «The actual shoot itself is fast. I will shoot six rolls with my Rolleiflex in maybe 20 minutes. If I decide to shoot 5×7 sheets as well, I will shoot from 6 to 12 sheets in another 10 minutes. If I’ve connected with the subject away from the camera, the shooting is fast and effortless.»

IiBN: «Numerous shots of yours have been taken with medium or large format film cameras. Furthermore, they are all black and white. In what ways do these choices affect the way you shoot and the results you obtain?»

SMN: «For a long time, I shot only in large format. I am comfortable with a view camera and I can work quickly with mine. But the view camera ritualizes the shoot and that imparts a more static look to the work. I’ve come back to my Rolleiflex because it permits more spontaneity, and I think that is reflected in the final images. I use both because I like both tools, and I appreciate what each adds to the process.»

«Why black and white? Apart from aesthetic preference, I am color-blind.»

IiBN: «Do you think such high-quality portraits can nowadays also be obtained by using any of the newest digital cameras?»

SMN: «Yes. I’ve seen incredible photos turned out by photographers working in digital media. I don’t understand the bickering about the relative merits of film and digital photography. I know film. I love my Rolleiflexes. To my eye, they possess a sophistication of design that no digital camera possesses. But they are tools. I know my tools, and I see no reason to change over to a digital camera. But that is me. In the end, what endures is the image.»

IiBN: «When you’re not shooting portraits, which are your other photographic subjects of interest that we don’t get to see on your site?»

SMN: «I shoot people. I have little interest in photographing still lifes, or landscapes, or whatever. For me, a camera is a tool for creating and recording relationships between people.»

IiBN: «What do you look for when you’re in search for inspiration?»

SMN: «Other individuals. I live in New York City. Inspiration is never far away.»

IiBN: «We think a photographer speaks through his/her own images but, given the possibility of using your own words, what is photography to you?»

SMN: «A creative outlet. A medium of self-expression. A means of relating to others. A sense of belonging to a brotherhood of photographers that reaches back over a hundred years. And of belonging to a guild of portraitists stretching back a millennium from Flanders through Paris to Florence and Rome. Portraiture is an ancient art. Photography is a new shoot off of that old tradition. I am always aware that I play a very insignificant role in it, yet I take joy in knowing that I do have a role to play.»

come se fosse sempre notte, anche di giorno.
ovvero, delle ossessioni

così ama descriversi Laura Rodari, autrice di «Inner Circus»

«Questo viaggio parte da lontano, dalla fascinazione che ho sin da
bimba per il circo, che mi attira e allo stesso modo mi inquieta.
Un lavoro lungo, che inizia con la ricerca del circo come lo volevo
io, poi l’approccio, entrando in punta di piedi, i giorni passati con
loro, città diverse, fino ad ottenere la fiducia, perchè prima di
poter fotografare questa cosa dovevo conoscerla, dal di dentro.
La chiamano empatia».

Il circo e’ il “Circo do Brasil” della famiglia Gerardi, un ringraziamento speciale anche a loro da parte di Laura e anche nostra.

Maurizio Cimino nasce a Washington D.C. nel 1969.

E’ laureato in Scienze Politiche all’Università Federico II di Napoli, dove oggi lavora come ricercatore presso la facoltà di sociologia.

Dal catalogo della mostra “Il mondo di Vesna”,

dal 30 settembre al 29 novembre presso “Altrimenti” – 11 rue Saint Zithe, L-2763 Luxembourg

Seppellitemi in piedi, sono stato in ginocchio per tutta la vita
(appello di uno zingaro anonimo)

«L’unico accampamento Rom legale di Napoli si trova alle spalle del carcere di Secondigliano. Ciò che mi si è aperto dinanzi è un mondo onirico ed allo stesso reale, il mondo di Vesna, una bambina Rom sordomuta ed il suo microcosmo familiare fatto di giochi, di disagi, di momenti di socializzazione.
Un elemento che mi ha colpito profondamente è stato il dover riscontrare come la qualità di vita degli ospiti del campo sia al di sotto dei limiti degli standard occidentali di vivibilità, con la conseguenza che il disagio è evidente: gli abitanti del campo sono costretti a vivere in containers prefabbricati, senza servizi interni, senza termosifoni, costituiti da un’unica stanza; inoltre, per coloro i quali cercano di integrarsi nella società, spesso la possibilità di trovare un lavoro è una vera e propria chimera.»

«I soggetti principali delle immagini sono alcuni bambini del campo con i quali ho interagito maggiormente; in particolare ho partecipato attraverso lo strumento fotografico all’universo surreale della piccola Vesna e dei suoi cinque fratelli, un’esperienza basata sull’empatia e sulla condivisione del vissuto soggettivo.
L’arte e la musica di questo popolo fiero andrebbero valorizzate giacchè i pregiudizi, radicati nella mentalità vigente che stigmatizza il diverso come elemento di pericolo per la società, aumentano anche per la mancanza di conoscenza sulle usanze e le tradizioni. Osservandoli nel complesso, rimandano ad una sorta caleidoscopio magico, un mosaico di gruppi diversificati ma contemporaneamente legati tra loro, all’interno dei quali le individualità restano fortissime se prese singolarmente; la diversità dei gruppi sembra costituire il collante dell’unità gitana.»

«A seguito degli enormi cambiamenti avvenuti nel secolo trascorso e di quelli che si verificano nel nuovo millennio all’interno delle società moderne, anche il popolo viaggiante ha modificato, suo malgrado, i propri costumi passando da un continuo nomadismo che si diramava principalmente lungo zone agricole a spostamenti in aree periurbane con caratteristiche di semisedentarizzazione o stanzialità. Purtroppo i Rom di oggi sono costretti a vivere in aree ubicate fuori dai grandi centri (divieti espliciti, aree di sosta consentita) e ciò ha minato profondamente l’identità zingara, in quanto ha colpito, in sostanza impedendola, proprio quella cultura e quella conoscenza che nascono nel viaggio, che oserei definire on the road, il viaggio che forma la coscienza, laddove ciò che conta è vivere il presente: il nomadismo nella storia Rom sembra essere più uno stato dello spirito che uno stato di fatto.»

Il sito web di Maurizio Cimino: www.mauriziocimino.com

Inaguriamo con questo post una rubrica che ospiterà i portfolio di giovani – o meno giovani – autori, professionisti e non, scovati in rete, i cui lavori pensiamo meritino una visibilità maggiore, e più trasversale, rispetto a quella che può dare una community o un sito web.

Iniziamo con “Mexico project” di Edvard Ciani.

Edvard Ciani, 37 anni, è nato e vive a Trieste.

Si è laureato in scienze politiche e si è specializzato in diritti umani e cooperazione.

La fotografia e l’America Latina sono le sue grandi passioni.

«Questo progetto nasce dalla necessità di mostrare una terra che amo con tutto il cuore. Una terra magica che mi ha più volte dato ospitalità, mi ha accompagnato nei momenti di confusione, mi ha aiutato a crescere e mi ha dato fiducia in me stesso. Una terra dove ho trovato la gioia e l’amore, la tenerezza e la magia, la forza per andare avanti verso una meta che prima mi sembrava impossibile, un posto che non vorrei mai lasciare, una casa, un desiderio, una necessità. Queste foto ultime di una serie infinita di foto, diapositive, non sono altro che un piccolo e sentito omaggio.»

«La prima volta che sono andato in Chiapas non avevo la più pallida idea di quello che mi aspettava. Man mano che tornavo cresceva in me la voglia di fotografare. Quest’inverno ho avuto l’occasione di fermarmi per alcuni mesi a Merida nello Yucatàn e poter sviluppare questo progetto.»

«Il mercato, che è tutt’ora il centro di vita della popolazione, la gente conosciuta per strada o negli autobus durante i miei spostamenti, le feste ed i riti religiosi, soprattutto nei paesini dove tutt’ora prevale una mescola tra cattolicesimo, riti sciamanici e tradizione maya, sono i miei scenari prediletti. Una parte delle immagini sono state scattate nella città di Merida l’altra metà invece sono frutto delle mie diverse visite nel villaggio di Manì, famoso per il convento dove sono stati fatti bruciare i codici Maya, una delle poche fonti originarie di quella cultura.»

Lo spazio Flickr di Edvard Ciani (AADYTIA.NET)

Il testo che accompagna il portfolio, nella traduzione in lingua spagnola:

«Este proyecto nace de la necesidad de expresar la belleza de una tierra que amo con todo mi corazon. Una tierra magica, que me diò hospitalidad , me ayudo en momentos dificiles,me ayudò a crecer y me diò seguridad en mi mismo. Una tierra dove encontrè amor y felicidad, ternura y magia, me diò fuerza para seguir mi rumbo cuando todo parecia hundirse, un lugar que no quiero nunca dejar, una casa, un deseo, necesidad.

La primera vez que me fui por motivos humanistas a Chiapas no tenìa la minima idea de lo que me iba a pasar. Cada vez que regresaba a Mexico crecia en mi deseo de tomar fotos. El invierno pasado tuve la oportunidad de quedarme unos meses ens Merìda, Yucatàn y dar vida este proyecto. El mercado todavia el centro de la vida de la poblaciòn, la gente conocida en la calle o durante mis traslados, las fiestas y los ritos religiosos, sobretodo en los poblados donde todavia prevalece una mezcla entre catolicismo, ritos chamanicos y tradiciòn maya, son los escenarios de mis fotos. Algunas de las imagenes son tomadas en la ciudad, otras estàn tomadas en mis frecuentes visitas al poblado de Manì, un lugar magico donde el tiempo parece suspendido, famoso por el convento donde fueron quemados los Codigos Mayas unas de las pocas fuentes originales de la cultura maya.»

Continua il nostro viaggio ideale nell’America Latina attraverso lo sguardo di alcuni fotografi che ci hanno particolarmente colpito per il loro modo di lavorare.

Dopo Tomas Munita, è la volta di Francisco Mata Rosas, nato a Città del Messico nel 1958, e laureatosi in giornalismo e fotografia nei primi anni ‘80.

Le sue immagini sono state pubblicate su importanti testate internazionali, tra cui The New York Times, The Los Angeles Times, La Jornada, Milenio, La Riforma e The Independent Magazine, e sono state esposte in musei e gallerie in Messico, Olanda, Germania, Francia, Scozia, Inghilterra, Giappone e Stati Uniti.

Mata Rosas ha ricevuto prestigiosi riconoscimenti, tra cui quello alla Biennale di fotografia messicana nel 1988, il Premio d’onore per il bicentenario della Rivoluzione francese nel 1989, e quello in occasione del terzo premio annuale Mother Jones Photography, nel 1993.

La sua prima pubblicazione è stata Sabato de Gloria (Grupo Deseo, 1994). Successivamente sono stati dati alle stampe Litorales (Centro de la Imagen, 2000), una raccolta di immagini panoramiche delle spiagge Messicane riprese con una toy-camera e Mexico-tenochtitlan (Fra, 2005).

Oggi Francisco continua a lavorare con le sue toy-camera e le sue immagini sono pubblicate e diffuse su Internet (tramite il suo sito personale e il suo spazio su Flickr) e su testate di diversi paesi di tutto il mondo.

Francisco Mata Rosas ci ha concesso un’intervista che riportiamo di seguito.

IiBN: «Francisco, abbiamo visionato i tuoi lavori sul tuo sito e abbiamo particolarmente apprezzato i reportages sul Chiapas e su Cuba. Puoi raccontarci qualcosa su come questi lavori sono stati concepiti e realizzati?»

FMR: «Nel caso del Chiapas, il mio approccio è stato di tipo fotogiornalistico, cercando di riportare le notizie in prima battuta; l’interesse per il tema e la mia precedente esperienza come fotogiornalista durante la guerra in El Salvador, nel 1989, mi hanno motivato a sviluppare un lavoro di maggiore profondità, tramite il quale sono andato a ricercare le cause e gli effetti del conflitto.

Nel caso di Cuba il mio interesse è stato quello di esplorare la vita di uno dei più importanti quartieri de L’Avana, durante un periodo di transizione politica ed economica. Ho ricercato gli effetti di questa transizione nella cultura e nella vita quotidiana dei cubani.»

IiBN: «Alcuni dei tuoi lavori sono realizzati con delle toy-camera. E’ uno strumento raro per un professionista. Sono le Holga, o le toy-camera piu’ in generale, che ti consentono una maggiore libertà di espressione rispetto alle fotocamere professionali? Cosa c’è dietro questa tua scelta?»

FMR: «Le toy-camera sono soltanto uno strumento in più nella costruzione del mio lavoro fotografico. Quello che mi interessa è l’atmosfera che si crea nelle immagini che si possono realizzare con queste macchine. C’è la stessa responsabilità a fotografare con una toy-camera o con una qualsiasi altra macchina analogica o digitale.»

IiBN: «Tomas Munita, fotografo cileno che abbiamo intervistato non molto tempo fa, ci ha detto:

“Come latino-americani siamo più legati alla nostra realtà, alla realtà delle persone che ci circondano e in molti casi alla loro lotta per la sopravvivenza. Quando sei in viaggio in America Latina si può vedere ovunque l’eredità di un sistema coloniale, la disuguaglianza, le fratture tra la società, il modo in cui gli altri si riferiscono alla natura e la sofferenza di molti.”

E’ difficile evitare questi argomenti. Molti di noi vogliono parlare della dignità degli oppressi, vogliamo creare ponti che riuniscono le persone più strette. E la bellezza svolge un ruolo principale in questo. “

Quanto ti riconosci in questa visione?»

FMR: «La commistione di epoche e di culture in America Latina ha dato vita a una realtà vibrante, contraddittoria e a volte inspiegabile. Ad esempio: quando gli europei non comprendono qualcosa, la definiscono “surreale”, ma se scomponiamo questa parola in spagnolo, essa significa “sur realismo”, cioè “realismo del sud”; siamo una cultura in via di sviluppo con molte, ma questa è proprio la sfida che dobbiamo affrontare come società, e noi come fotografi non facciamo eccezione.

D’altra parte ci sono forme differenti per fotografare e creare arte, dal documentario diretto che serve a fini di denuncia, fino all’uso della fotografia come contributo a discorsi universali e quindi personali.»

IiBN: «A tuo parere, come si sta evolvendo la fotografia in America Latina, in particolare nel campo del reportage? Come è il rapporto tra fotografi e il mondo dell’editoria? E’ facile per un giovane reporter ottenere la pubblicazione dei lavori con importanti editori?»

FMR: «La situazione è difficile come in qualsiasi altra parte del mondo. Le nuove tecnologie hanno modificato la maniera di scattare, di far circolare e pubblicare le immagini, nonché di fruirne. Il reportage fotografico ha raggiunto e mantiene un alto livello concettuale e tecnico, ma noi dobbiamo comunque impegnarci per cercare di esplorare nuovi linguaggi e percorsi per diffondere il nostro lavoro.»

IiBN: «A quali progetti stai lavorando?»

FMR: «Attualmente sto per completare i miei libri sulla metropolitana di Città del Messico e su Cuba. Inoltre sto per avviare un reportage fotografico sulla frontiera Messico-Stati Uniti. In parallelo, sto lavorando a delle serie con paesaggi e con oggetti, alla ricerca di una nuova modalità di documentazione.»

Il testo originale dell’intervista, in inglese, e alcune foto dei suoi nuovi progetti (Metro di Citta’ del Messiso):

IiBN: «We enjoyed looking at works on your website. We particularly liked the Cuba and Chiapas reportages. Can you tell us something about how these works were conceived and made?»

FMR: «In the case of Chiapas, my approach was like photo journalist that covers the news at first; the interest on the subject and the antecedent of to have covered the War in El Salvador, in 1989, they motivated that it will develop a work of greater depth, looking for the causes and the effects of the conflict.

In the case of Cuba, it interests to me to explore the daily life of one of the important districts of Havana, at moments of political and economic transition. I look for its effects in the culture and the daily life of the Cubans.»

IiBN: «Some of your works are made with a toy-camera. It’s an uncommon tool for a professional. Are Holgas, and toy-cameras more in general, devices that allow more freedom than professional cameras? What’s the reason behind such a choice?»

FMR: «The toy camera is only one more tool in the construction of my photographic work. The atmosphere that they generate is what it interests to me. It´s the same responsibility to photograph with a toy camera that with an analogous or digital.»

IiBN: «Tomas Munita, a Chilean photographer we interviewed not long ago, told us:

“As Latin Americans we are more attached to our reality, to the reality of people who surround us and in many cases to their fight for survival. When you travel in Latin America you can see everywhere the legacy of a colonial system, the inequality, the rift between societies, the way others relate to nature and the suffering of many.
It is just hard to avoid these subjects. Many of us want to talk about the dignity of the oppressed ones, we want to create bridges that bring people closer. And beauty plays a main role in this.“

How much do you share of this vision?»

FMR: «The mixture of times and cultures in Latin America has generated a vibrant, contradictory and sometimes an inexplicable reality. For example: when the European do not understand something they call it “surrealistic”, but, if we separated this word in Spanish in fact it is: “sur realismo”, its mean, realism of the south; we are a developing culture with many contradictions, but that is indeed the challenge which we must face like society, and the photographers we are not the exception.

On the other hand, there are different forms to photograph and to create art, from documentary direct that is one in charge to denounce, until the use of the photography like support for universal and therefore personal speeches.»

IiBN: «In your opinion, how is photography evolving in Latin America, especially in the field of reportage? How is the relationship between photographers and the publishing world? Is it easy for a young reporter to get a work published with important publishers?»

FMR: «The situation is difficult like anywhere in the world, the new technologies modify the ways to capture, to circulate, to publish and to read photographies. The photography essay maintains a technical and conceptual high level, but also we must explore new languages and forms to spread our work.»

IiBN: «What projects are you working on? What would you like to get published in the near future?»

FMR: «I’m going to conclude my books of Mexico City Subway and another one about Cuba. On the other hand I’m going to initiate a photo essay in the Mexico-United States border. Of parallel way, I’m working series with landscapes and objects looking for a new way to document.»

Mi ricordo il momento. Ero seduto alla mia scrivania, qualche voce nell’open space dove allora lavoravo e subito andai “a vedere”. Era il sito della CNN e iniziavo a vedere l’immagine di un qualcosa di fumante in un grattacielo, grazie ad una webcam che ci teneva legati a ciò che avveniva oltre l’oceano. Dai primi titoli posti accanto al video in diretta, pareva trattarsi di una tragica fatalità che interessava una delle due torri gemelle, di cui non ricordavo neanche l’ esistenza. Dopo pochi minuti, giusto il tempo di capire che era stato un aereo a colpire l’enorme grattacielo, subito percepii un altro lampo, osservando il bagliore inconsueto attraverso la visione approssimativa della webcam, un’esplosione – capii un attimo dopo – praticamente “vista in diretta”. Il brusio nell’open space divenne una sorta di mormorio indistinto, poi più netto; gruppi di persone si avvicinavano per commentare, piuttosto scossi. Infine ciascuno tornò ai propri posti, tentando di lavorare, anche se non c’era verso di riuscirci. Non poteva essere una coincidenza, non era più un tragico incidente. Forse qualcosa sarebbe cambiato per tutti.

Credo che ciascuno abbia un ricordo di quel momento, qualsiasi sia il tipo di idea che si sia fatto successivamente, un ricordo legato al luogo in cui ha vissuto quel momento, a come lo abbia appreso, alla successiva consapevolezza, per me acquisita molto lentamente.

Dopo una settimana, forse anche meno (il tempo pareva scorrere con estrema rarefazione in quei giorni), riuscii a prendere una copia di un’edizione speciale del TIME, dedicata a “9/11”. Dalla prima foto in copertina mi accorsi che era quella visione delle cose che mi mancava, nonostante tutte le ore di televisione e di immagini, era un guardare diverso quello che pareva mancare per riuscire a rendere davvero reale, ossia davvero umano, quello che avevo appreso solo a livello di informazione e che non riusciva a sedimentarsi nella mia mente (era come il pulviscolo terribile e pregnante derivato dall’abbattimento dei due enormi giganti di acciaio e cemento e carne ed ossa e mobili e carta e denaro e lacrime e certezze e speranze).

Le foto che vedrete sono tutte e solo prese da quell’edizione, come se la stessi sfogliando, come fossi tornato indietro di sette anni.

Solo recentemente ho compreso, riguardando attentamente quelle pagine precariamente custodite negli scaffali della mia libreria, che tra le varie persone che fecero quegli scatti, alcuni soltanto erano professionisti, altri avevano scelto di consegnare i loro scatti alle agenzie, ma non è detto affatto che quello fosse il loro mestiere.

In quel momento si trovavano lì, davanti a qualcosa di enorme che pareva potesse venire giù. E che lo fece.

La polvere e l’odore acre pareva essere ovunque. Correre. Correre, non voltarsi indietro, se non per qualche breve istante. Qualcuno porta borse, per affari che non avranno luogo, altri hanno plichi sotto il braccio, che non avranno più destinatario.

Solo i fotografi, i cameramen, i pompieri, i giornalisti, gli infermieri, i medici, i poliziotti, solo loro rimangono nei pressi del disastro, ciascuno preso dal proprio compito.

Qualcuno di essi rimarrà poi vittima della propria dedizione, della propria passione o della propria compassione.

La fumata nera che partiva da ground zero si iniziava a vedere perfino dalle immagini satellitari. Ma la realtà delle cose era ben più terribile. Il dolore si faceva percepibile anche a distanza. Di spazio, ma anche di tempo. Il dolore continuava a persistere.

Volti di gente piangente ed attonita che guardavano oltre l’obiettivo, la nube enorme di polvere e la gente lontana che correva, correva e poi, quando la nube di polvere circondava ogni cosa, rimaneva attonita.

E poi il primo immenso schianto. Dopo poco tempo il secondo.

Tutto pareva essersi trasformato in un luogo lunare, ma drammaticamente reale.

Gente che pareva emergere da un set di un film horror, sbigottita e tremendamente silenziosa.

L’attività frenetica di medici, pompieri, infermieri, agenti e portantini.

Fratelli in tutti i disastri del mondo, come anche in questo. Basta una vita salvata a dare forza, non importa che ne siano morte più di mille, ogni vita è preziosa. Ogni vita è di nuovo preziosa.

La pausa di un agente che deve poter piangere per riuscire a continuare il suo lavoro. “Dovetti fermarmi a piangere, sapendo che altrimenti non avrei più avuto il tempo e le forze per farlo. Cercai un momento  per farlo, credo non più di trenta secondi, ma forse sbaglio. Iniziai a piangere. Senza quel pianto sapevo che non ce l’avrei fatta.”

Ma a venire giù, ancor prima che l’immensa materia delle torri, furono i corpi, coloro che caddero.

Da sette anni, quando penso a quel giorno, penso sempre a loro.

Ricordo che alla televisione passavano le immagini di foto irreali. Tutto appariva estremamente ambivalente. La grigia facciata del grattacielo, apparentemente indistruttibile, strideva con l’innaturale posizione dei corpi cadenti, ritratti nello strettissimo angolo di campo della foto.

Forse le immagini più dure sono proprio quelle della caduta delle persone. Apparivano come fossero sacchetti buttati giù, manichini inermi, ma davvero, davvero molto di più. Le loro ombre sulla superficie del grattacielo erano ancora più bizzarre, come la morte a cui andavano incontro o che avevano già incontrato, spiegavano gli esperti, in una sorta di compassione postuma, che però ci rincuorava un po’. Erano morti prima dell’impatto a terra. “Non avranno sofferto troppo.” Ma poi dopo un attimo si faceva viva in noi la considerazione che quello era solo un modo per razionalizzare l’orrore, il non poter comparare quell’evento con niente che fosse mai avvenuto prima. Veniva alla mente solo la tragedia delle bombe atomiche sul Giappone, niente altro che fosse comparabile con questo. Neanche le immagini dei film più catastrofisti ci avevano preparato o minimamente preservato da questo trauma, non c’era niente a proteggerci dall’orrore.

Immagino che in quei giorni la redazione del TIME sia stata letteralmente subissata di immagini, di foto. Perché mai scelsero quelle su centinaia? Credo che il senso fosse documentare con dignità l’evento, quindi ancora una volta, farlo con obiettività, ma anche con umanità. Non è una cosa da poco.

Scatti fatti anche in altri luoghi di quello strano paese così diverso dal nostro, ritraevano volti di ragazzi che fissano attoniti la televisione, rapiti in un unico, immenso incubo. Ognuno viveva il dolore a suo modo, l’orrore a suo modo. Erano proprio come noi.

Al momento dell’impatto gli uffici erano ancora pieni di inservienti, impiegati, davvero pochissimi dirigenti; riflettendoci ancora oggi, evitando per quanto possibile ogni dietrologia inutile, per me è paradossale che un attacco del genere, ad edifici del genere, in realtà abbia colpito direttamente in prevalenza persone qualunque, non certo chi, uno supponga, i terroristi avessero in mente di colpire.

Questo e tanti, tanti altri quesiti e dubbi sono stati e rimarranno tali per molti altri anni.

L’attacco al Pentagono pare meriti una sola foto.

Le ultime pagine sono dedicate alla cura dei feriti, alle preghiere per i morti, a ciò che cerca di riconciliare l’inconcepibile: cielo e terra, la polvere nei polmoni ed il cuore. Le lacrime non vengono subito. Ci vogliono giorni perché escano.

Ci sono anche altre pagine in quell’edizione del TIME, rese inutili ed insulse dalla storia, pagine di commenti politici e valutazioni sul da farsi. Pagine di cui si potrebbe fare, anzi credo si debba fare, a meno.

Nei prossimi anni, forse, questa data non sarà più vissuta in questo modo, il pensiero si affievolirà, e non ricorderemo più dove eravamo quel giorno, cosa stavamo facendo e con chi. Interiorizzeremo il dolore, l’angoscia, il dubbio. Più avanti ancora ricordare sarà solo una questione di numeri, in essi il nostro ricordo rimarrà fisso. 9/11.

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Lista degli autori/agenzie, dalla prima pagina in poi dell’edizione di TIME “September 11 2001″:

Lyle Overko – Gamma
Gulnara Samoilova – AP
Robert Clark – Aurora for Time
Spencer Platt – Getty Images
Suzanne Plunket – AP
David Surowiecki – Getty Images
James Nachtwey – VII for Time (sono sue molte foto)
Angel Franco – The New York Times (una delle più intense: gente che piange, quasi senza più forze)
Justin Kane – The New York Times (didascalia: “L’aiuto dato da uno dei reparti di pronto intervento più avanzati al mondo in una delle peggiori condizioni al mondo”)

Harry Zernike – Gamma
Ruth Fremson – The New York Times (un poliziotto si ferma a piangere un attimo in un bar prima di continuare a portare aiuto)
Timothy Fader – Gamma for Time

Foto da altre parti d’America della gente che guarda terrorizzata i telegiornali:
Danny Wilcoz Frazier – IOWA City Press Citizen/AP

La comunicazione a Bush del secondo aereo:
Doug Mills – AP (quasi le stesse immagini del film “9/11”)

L’attacco al Pentagono:
Tom Horan – AP

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Sitografia:

TIME – Foto di James Nachtwey

Foto di Lyle Overko

Foto di Gulnara Samoilova

Ruediger Beckmann è un fotografo tedesco che vive e lavora ad Amburgo. La sua ricerca fotografica verte essenzialmente sull’identità femminile, e si basa sulla collaborazione con modelle. Tuttavia, i suoi ritratti femminili si discostano notevolmente dai cliché più diffusi nella fotografia glamour, pubblicitaria e di moda. Si tratta di immagini molto personali, intime, che sembrano nascere, come ne L’insostenibile leggerezza dell’essere di Kundera, da una costante ricerca delle impercettibili differenze esistenti tra una donna e l’altra. Di questo ed altro abbiamo parlato con Ruediger nell’intervista che ci ha gentilmente concesso.

(English version below – Deutsche Übersetzung here)

IIBN: «Prima di tutto, ci piacerebbe sapere qualcosa in più su di te. Abbiamo letto sul tuo sito che hai iniziato a lavorare come grafico, per poi diventare invece un fotografo professionista. Come è avvenuto questo cambiamento nella tua vita?»

RB: «Lavoro ancora come grafico, ma la fotografia occupa una parte sempre più cospicua del mio tempo. Ho comunque deciso di evitare di rendere il guadagno economico il principale obiettivo della mia passione per la fotografia, perché voglio che la mia attività di fotografo rimanga quanto più indipendente possibile. Ci sono persone che riescono a trasformare la loro passione in una carriera, ma ho visto già troppi fotografi il cui stile è stato condizionato dalla possibilità di lavorare in determinati mercati. Non voglio prendere decisioni (”Che immagini dovrei scattare?”) in base ad un tornaconto economico. Le arti devono prosperare liberamente.»

IIBN: «Tu lavori con delle modelle. Cosa cerchi in una modella? Quali aspetti dell’essere donna cerchi di mettere in risalto tramite il tuo lavoro fotografico?»

RB: «Fondamentalmente, sono in cerca di un’emozione credibile. E’ complicato per me spiegare a una nuova modella cosa cerco e quali sono i miei obiettivi. Loro possono vedere dalle migliaia di fotografie che ho scattato com’è andata con altre modelle, ma ovviamente non sanno come andrà nel loro caso. Non posso davvero sapere in anticipo se una persona è adatta a me o no. Possiamo solo scoprirlo attraverso una sessione di scatti, e questo è abbastanza complicato, come si può immaginare, perché le persone sono molto diverse l’una dall’altra. La cosa più importante per una buona sessione fotografica è una base di onestà e condivisione. Entrambi mettiamo in gioco una parte di noi stessi, e le immagini riflettono questo incontrarsi.

Mi è stato chiesto altre volte perché attualmente non fotografo uomini. Ho fatto alcuni tentativi, ma ho scoperto che gli uomini non sono molto a loro agio nei miei confronti, nei confronti dell’energia che viene sprigionata da questo aprirsi e affidarsi l’un l’altro a questo livello molto personale ed emotivo che ricerco sempre. Penso che molta della nostra energia naturale venga dal gioco dell’accoppiamento e dello stare insieme. Gli uomini sono interessati alle donne, e viceversa, e questo è naturale se sei eterosessuale. Io trovo che le donne siano attraenti e affascinanti e, anche se il mio obiettivo non è principalmente sessuale, penso che ci sia comunque una componente sensuale a cui sessi opposti reagiscono meglio poiché è quello che abbiamo imparato a fare in tutta la nostra vita. Immagino che fotografie di uomini simili a quelle che io scatto alle donne, probabilmente esistano, scattate da donne.»

IIBN: «Dalle tue immagini emerge un senso di intimità tra te e le donne che fotografi, che di solito è difficile da creare quando si lavora con delle modelle, specialmente in studio. Questo senso di intimità, a nostro parere, rende i tuoi ritratti molto differenti dai ritratti di donne che siamo abituati a vedere nella fotografia pubblicitaria e di moda. Quanto di ciò che scatti è stabilito in partenza? Stabilisci i dettagli in anticipo, anche discutendoli con le tue modelle?»

RB: «Questa intimità non è affatto precostruita, succede e basta. Di solito scatto sempre negli stessi posti, la mia cucina, la mia doccia, la mia mansarda, o le loro stanze. L’ambiente familiare contribuisce a creare un’atmosfera accogliente, che è la premessa più importante per la buona riuscita di una sessione di scatti.

Molto raramente ho un tema specifico o delle intenzioni visive per le immagini da scattare, a meno che la modella non esprima il desiderio di affrontare un determinato tema. Cerco di cancellare dalla mia mente tutte le altre immagini prima di iniziare a scattare. Ascolto semplicemente lo stato d’animo della modella e le sue impressioni e provo ad affidarmi, con lei, alle nostre intuizioni.

Ascoltiamo la musica, parliamo, magari beviamo qualcosa, e dopo un po’ lei si rilassa e, in modo del tutto spontaneo, inizia a stabilirsi un flusso di comunicazione tra noi. Riesco a percepire lo stato d’animo della mia modella. Raramente sistemo o correggo qualcosa, perché significherebbe iniziare di nuovo a pensare, e il cervello di solito prevale sull’intuizione. Penso invece che la cosa migliore sia lasciare la mente fuori da questo processo, per quanto mi è possibile.

Quando ci si sente bene, le immagini saranno buone in ogni caso.»

IIBN: «Si potrebbe pensare che la comunicazione che tra il fotografo e i suoi modelli o modelle prima della sessione fotografica sia qualcosa di inutile, persino pretenzioso. Non pensi che questo possa invece essere il modo migliore di coinvolgere le modelle e permettere loro di esprimere la loro vera natura, magari così da far emergere addirittura qualche segreto, che non sarebbe possibile rappresentare o vedere in altri modi? O, al contrario, pensi che ciò che è fondamentale in una sessione di ritratto è rappresentare la personalità della modella come lei la esprime normalmente e solitamente?»

RB: «Dipende tutto da ciò che si sta cercando. L’argomento della mia tesi di diploma, incompiuta, era “Eigenbild vs. Fremdbild”, che si può tradurre più o meno come “immagine di sè e immagine pubblica” o “la nostra idea di noi stessi e la percezione che gli altri hanno di noi”. Essere fotografati in genere è qualcosa che riguarda le apparenze. Che aspetto ho, come appaio, chi sono, chi devo essere, chi posso essere? In che modo la mia immagine di me stesso si riflette nel mio aspetto?

Ognuno di noi ha tattiche differenti per affrontare la vita. Alcuni sono troppo timidi, altri sono stranamente fiduciosi nel loro aspetto fisico, ognuno ha priorità diverse a seconda della propria storia, e ognuno lavora in questa direzione ogni giorno. Scoprire qualcosa riguardo a questa “lotta” mi fornisce un vasto campo di osservazione. Il mio compito più importante è ascoltare, riuscire a conoscere davvero la persona per com’è dentro e rispettarla per tutto ciò che è.

Questo è l’inizio di un viaggio, in cui la modella esplora il suo modo migliore di esprimersi.

Alcune modelle amano essere osservate mentre esplorano il loro universo personale, altre vogliono essere corteggiate, ad altre ancora piace combattere, mentre c’è chi preferisce collaborare in base alle idee che condividiamo conversando, e chi vuole invece rimanere avvolta dal mistero.

Per me l’idea di un buon ritratto consiste, allo stesso tempo, nel non svelare troppo della vera personalità del soggetto e nel non mostrare qualcosa che lei non è. Una sessione di scatti è sempre un gioco, un gioco in cui si creano delle opportunità, e a volte il risultato si rivela lusinghiero o eccitante o spaventoso o strano, ma in esso c’è sempre un po’ di verità.

Ecco perché questo tipo di fotografia causa forte dipendenza.

A volte temo che le fotografie non siano la parte più importante di questa esperienza. E’ un viaggio. Quando questa energia si manifesta, se ne vuole trovare sempre di più.»

IIBN: «Le tue serie di ritratti femminili ci sembrano ispirate da L’insostenibile leggerezza dell’essere di Kundera, il cui protagonista, attraverso il sesso, ricerca ossessivamente la differenza, a volte impercettibile, che c’è tra una donna e un’altra. La tua ricerca fotografica ha qualcosa a che vedere con l’opera di Kundera?»

RB: «Non ci avevo mai pensato, ma probabilmente avete assolutamente ragione. Mentre per altri fotografi la ricerca culmina spesso con l’incontro con una controparte quasi perfetta, che diventa la loro musa, io amo particolarmente la ricerca delle differenze che ci sono tra le varie persone che ritraggo. Ma non si tratta solo di questo. Superare insieme le prime tensioni, andare oltre la naturale prudenza per poi alla fine dimostrare fiducia e dedizione e di conseguenza aprirsi e impegnarsi l’uno con l’altra, insieme, è probabilmente una delle ragioni per cui continuo a ripetere questa esperienza.

Sono tuttora molto sorpreso di aver raggiunto questo livello di comprensione e fiducia con così tante persone diverse tra loro.»

IIBN: «I tuoi scatti sono realizzati su pellicola, soprattutto in medio formato. In che modo questa scelta influisce sul tuo modo di fotografare e sui risultati che ottieni?»

RB: «Le macchine medio formato si sono rivelate un ottimo strumento in questo tipo di situazione, perché guardando la modella direttamente nel pozzetto posso davvero percepire l’immagine mentre prende forma. Non amo nè i monitor nè i mirini perché sono troppo piccoli e permettono una percezione troppo poco diretta.

Ho provato tutti i supporti, ma finché c’è pellicola la userò sempre. Quando ho iniziato a fotografare, spesso ho dovuto confrontarmi con insegnanti che erano convinti che bisognerebbe sempre avere il controllo del proprio equipaggiamento tecnico e cercare di ottenere una qualità immacolata, la migliore possibile. Ma io trovavo noiose le loro immagini perfette e mi piaceva molto ciò che accadeva con gli errori che possono venir fuori su pellicola o con macchine fotografiche difettose.

Una volta mi è caduta la mia toy-camera Action Sampler nel fiume, sono riuscito a ripescarla ed ho scattato le foto che rimanevano. Il fiume aveva iniziato a sviluppare alcune parti della pellicola, con risultati fantastici e assolutamente irripetibili. Probabilmente per qualcuno si tratta di effetti grossolani, ma per me in essi c’è molto di più. Questi affascinanti incidenti mi hanno insegnato che è bellissimo perdere il controllo. Se ci si aggrappa troppo forte alle proprie opinioni e alla propria abilità tecnica, si scatteranno immagini che possono solo riflettere ciò che si ha in testa. Ma nel mondo, là fuori, c’è molto di più di questo.

Gli errori e le coincidenze continuano a ispirarmi e mi permettono di espandere le mie visioni. Perché non è detto che non commettere errori sia sufficiente ad ottenere il giusto risultato.»

Vi invitiamo a visitare il sito di Ruediger Beckmann e il suo spazio su Flickr, dove è presente come pixelwelten. Segue la versione originale dell’intervista, in inglese.

IIBN: «First of all, we would like to know something more about you. We’ve read on your website that you started working as a graphic designer and you are now a professional photographer. How did this change come about in your life?»

RB: «I still work as a graphic designer, but photography is taking over more and more of my time. Still, I have decided not to make money the prime object of my passion because I want to keep things as independent as possible. Some people succeed in pursuing their passion as a career, but I have seen too many photographers whose style has been influenced by their prospective markets. I don’t want to make decisions (what pictures do i take?) based on economics. The arts need to be free to thrive.»

IIBN: «You work with female models. What do you look for in a model? What aspects of being a woman do you seek to emphasise through your photographic work?»

RB: «Basically, I want to find a credible emotion. I have problems explaining to new models what I look for and what my goals are. From thousands of pictures they see what has happened with others, but of course they don’t know what can happen with them. I cannot really answer in advance whether a person is suitable for me or not. we can only experience a shooting to find it out, and this is rather difficult, as you can imagine, because all people are so different. Most important for a good session is a basis of honesty and sharing. We both put a part of ourselves on the line, and the pictures reflect where we intersected.

I have been asked why I don’t shoot pictures of men right now. I have tried a few times, but I find that men are not very comfortable towards me with the energy that comes along with the opening and trusting on this very personal emotional level that I always seek. I think a lot of our natural energy comes from the mating and the dating game. Men are interested in women, and vice versa, that’s natural when you are straight. I find women attractive and appealing, and even as my objective is not primarily a sexual one I think there is still a sensual component which the opposite sexes respond to better because we have learned to do so all our lives. I expect that comparable pictures of men will probably be taken by women.»

IIBN: «There appears to be a sense of intimacy between you and your models, which is usually difficult to create when shooting with models, especially in a studio. This sense of intimacy, we believe, makes your portraits much different from commercial and fashion portraits of women. How much of what you shoot is pre-determined? Do you arrange every detail in advance, also discussing with your models?»

RB: «This intimacy is not at all arranged, it just happens. I usually shoot at the same locations, my kitchen, my shower, my attic, or their rooms. This familiar environment helps in creating a comfortable atmosphere, which is the most important premise for a good shooting.

I very rarely have a specific theme or optical intention for the pictures unless the model wants to tackle a certain subject. I try to clear all images in my head before the shooting. I just listen to the mood the models bring along and try to trust in our intuition.

We listen to music, talk, maybe have a drink or two, and after a while she relaxes and some kind of flow start to happen of its own accord. I get a feeling for the mood my model is in. I rarely arrange or correct, because then you start to think again, and the brain usually overpowers the intuition. I find it’s best to keep the head out of this process as much as I possibly can.

When you feel right, the picture is going to be all right, anyway.»

IIBN: «Some might think that communication between model and photographer before the shooting session is something useless, even pretentious. Don’t you think that this might instead be the best way to involve the models and let them express their real nature, even letting some secret be revealed, which would not be representable and visible in other ways? Or, in contrast, do you think what it is fundamental in a portrait session is to represent the models’ personality as they normally, usually express it?»

RB: «It all depends on what you are looking for. The subject of my (unfinished) diploma thesis was “Eigenbild vs. Fremdbild”, roughly translated as “self-image vs. public image” or “our self-concept vs. the perception by others”. Being photographed is usually about appearances. What do I look like, how do I appear, what am I, what must I be, what can I be? How does my self-image reflect on my appearance?

We all have different tactics going through life. Some are all too shy, some are strangely confident with their appearance, everyone has a different agenda based on their history, and everyone works on this subject every day. Getting to know a little bit of this struggle offers a wide field for me to observe. My most important task is to listen, to really get to know the person inside and to respect her for all that she is.

This is the beginning of a journey, where the model explores her best way of expressing herself.

Some models like to be watched exploring their own universe, some like to be courted, some like to fight, some like to cooperate based on ideas that we share in conversation, some like to remain a mystery.

For me the idea of a good portrait is neither to expose too much of her true personality nor to show something that she is not. a shooting is always a game, a game to create opportunities, and sometimes you find the turnout to be flattering or thrilling or frightening or strange, but there is always some truth in it.

That’s why this kind of photography is highly addictive.

Sometimes I fear that the pictures are not the most important part of this experience. It’s a trip. You always want to find more of that energy when it visualizes.»

IIBN: «Your series of female portraits seem to us to be inspired by Kundera’s The Unbearable Lightness of Being, whose protagonist, through sex, obsessively looks for the difference, at times imperceptible, between a woman and another. Has your photographic research something to do with Kundera’s work?»

RB: «This thought never occured to me, but you are possibly very right. Whereas the search of other photographers often culminates in one almost perfect counterpart, their muse, I particularly like to find the differences in the various people i portray. but it’s not only that. Overcoming the first tensions together, getting past the natural prudence to finally show trust and dedication and as a result experiencing the openness and commitment together is possibly one of the reasons I do all this over and over again.

I am still very surprised that i have achieved this level of understanding and confidence with so many different people.»

IIBN: «You shoot film and use medium format cameras. In what ways does this choice affect the way you shoot and the results you obtain?»

RB: «Medium format cameras have proven to be good companions because when regarding the model directly through the light well (Lichtschacht) I can really feel the picture as it happens. I am not a friend of neither displays nor viewfinders as they are too small and far too indirect to feel.

I have tried all kinds of media, but as long as there is film I will always use it. When I started I often had to face teachers who were convinced that you should always be in control of your equipment and strive towards the best possible immaculate quality. But I found their perfect pictures to be boring and I particularly liked what happened with errors on film and by faulty cameras.

By accident I threw my action sampler into the river once, fished it out and shot the remaining pictures. The results of the river pre-developing parts of it were great and absolutely non-repeatable. You may think that these are cheap effects, but for me it goes far beyond that. These attractive mishaps have tought me that it’s great to lose control. If you cling to your opinions and skills too tightly your pictures can only reflect what’s on your mind. but there is so much more out there.

Mistakes and coincidences keep on inspiring and expanding my vision.
Because not doing anything wrong doesn’t make it right.»